Anmerkung der Schöpferin des Projekts, Nora Amin:

Die Performance wurde aus mehreren Gründen als Ritual erdacht und konzipiert:

– Sie ist von der Form eines Kreises inspiriert, der eng mit Ritualen aus meinen arabischen und ägyptischen Kulturen verbunden ist, wie Halaka, Zâr, Street Performances oder Hâdra. Die Gemeinschaft, die sich in einem Kreis oder in Kreisen versammelt, lässt sich gewissermaßen als räumlicher Aspekt eines Rituals beschreiben.

– Sie beruht auf Kommunikation, Zirkulation, Kanalisierung und Projektion von Energie. Der Kreis erleichtert und unterstützt die Zirkulation von Energie und schafft eine Verbindung zwischen den Teilnehmenden und Zuschauenden, eine Verbindung, die das Wesen eines kollektiven Rituals definiert und somit die Grundlage für eine menschlich gleichberechtigte und miteinander in Verbindung stehenden Gemeinschaft legt, die das Ritual schafft und entwickelt.

– Sie enthält sehr spezifische, systematische und kalkulierte Handlungen, die regelmäßig, anhaltend und rhythmisch wiederholt werden müssen. Da jedes Ritual Wiederholungen, wiederkehrende Handlungen und eine Art kollektiv übernommenes, körperliches Verhalten beinhaltet, nehmen die Handlungen der Zuschauenden die Form ähnlicher, sich wiederholender Einzelhandlungen an, die von allen zweihundert Zuschauer:innen wiederholt werden. Gleichzeitig werden diese individuellen Handlungen von einer Person zur anderen weitergegeben und kommuniziert, was zu einer Art individueller, innerer Partnerschaft zwischen jeweils zwei Zuschauenden führt. Diese sich von der ersten bis zur letzten Person übertragende konstruktive und sich wiederholende Zusammenarbeit lässt eine geradezu kollektiv erlebte ,aktive Körperlichkeit entstehen. Verstärkt wird dieser Effekt durch visuelle Aspekte dieser Performance in Form eines Stoffstücks, das alle Zuschauenden an die nächste Personweitergibt. Die Hände und Arme der Zuschauenden, die das Stoffstück halten, werden so Teil des Szenenbilds, das symbolisch die Verbindung aller Besuchendensymbolisiert. Auf darstellerischer Ebene verwandelt sich das Weiterreichen des Stoffs, der irgendwann einen Kreis bildet und von allen gehalten wird, zu einer aktiven, performativen Handlung der Zuschauenden. Die menschliche und emotionale Verbindung wird materiell über den weißen Stoff symbolisch übersetzt, man könnte auch von einer symbolischen Visualisierung eines eingepackten Schmerzes sprechen, davon, wie die Geschichte jedes Einzelnen materialisiert ist und wie das Aussehen des Raumes verändert werden kann.

Einerseits werden hier die Praktiken des Tanzes und der Performance den Zuschauenden nähergebracht, die buchstäblich zu aktiven Partner:innen und Mitwirkenden bei der Schaffung des Rituals und seines Miteinanders werden.

Andererseits geben die Praktiken der Verflechtung hier vor allem Raum für die Verflechtung zwischen den Zuschauern durch ihre Handlungen über das Medium Stoff verflechten, über die Art und Weise, wie der Stoff ihre Emotionen und persönlichen Projektionen transportiert und wie sie den Stoff an andere weitergeben, bis er gemeinsam hochgehoben wird und eine kreisrunde Leinwand für die Videoprojektionen bildet. Die Zuschauenden setzen ihre kollektiven Aktionen ein und entwickeln sie weiter, um die Performance um einen neuen szenografischen Aspekt zu erweitern, der eindeutig Zeugnis ablegt und visuelle Bezüge zu einem Zeugnisakt aufweist.

Alle Aktionen der Zuschauenden werden von fünf Co-Performenden oder Assistenz-Performenden unterstützt, die während des Rituals als Zeremonienhelfer:innen fungieren, den gleichen Stoff und die gleiche Farbe tragen und untereinander und zur Solo-Performerin eine starke Bindung haben. Ihre Energiekanalisierung und -bindung hält und trägt den Raum und steuert die kollektive Energie der Zuschauenden. Die Bindung, die die fünf Co-Performer:innen mit mir teilen, garantiert ein Netzwerk und ein strahlendes Fließen, das den ganzen Kreis bedeckt und die Kommunikation und die gemeinschaftliche Transzendenz verstärkt.

Das Publikum hatte vielleicht etwas anderes erwartet, als es Eintrittskarten für eine Performance einer ägyptischen Frau erwarb. Vielleicht kannten einige meine Arbeit bereits und betrachteten die Performance als künstlerische Arbeit ohne jegliche Etikettierung, aber ein anderer Teil des Publikums hatte definitiv Erwartungen, die mit dem Etikett verbunden waren, dem Etikett des Migrant:innenkörpers, des geschlechtlichen Körpers, des arabischen Körpers und daher — vielleicht — des exotischen Körpers. Meine primäre Absicht war nicht, eine Performance zu kreieren, die meinen Körper oder die Wahrnehmung der Zuschauer dekolonisiert. Meine ursprüngliche Absicht lag darin, ein Tanzritual zu schaffen, das den Schmerz wiederbelebt und auf Heilung ausgerichtet ist. Es war Teil meines lebenslangen Projekts Performing Trauma, das mir später eine Valeska-Gert-Gastprofessur einbrachte. Es ging auch darum, das Gemeinschaftsgefühl unter den Zuschauenden als Mikrokosmos der größeren Gesellschaft wiederzubeleben. Aber wie sollte mir das gelingen, wenn ich bereits einen stigmatisierten Körper und eine etikettierte Identität habe? Wie könnte es mir gelingen, eine Tanzpraxis der Verflechtung, der Transzendenz und der menschlichen Verbundenheit zu schaffen, wenn meine bloße Anwesenheit bereits mit einer Geschichte und einem Bewusstsein von Spaltung, Diskriminierung, Hierarchie und Voyeurismus verbunden ist oder diese auslöst? Wie kann ich die Zuschauer:innen dazu anregen, ihre westliche und weiße Zuschauer:innenposition zu verlassen und sich auf Augenhöhe mit mir zu positionieren? Als gleichberechtigte Menschen?

Die darauf folgenden Erkenntnisse waren extrem bedeutsam für die endgültige Formulierung meines Verständnisses meiner Rolle als Performerin und für das Verständnis der Performance für den Blick der Zuschauenden auf mich, die weibliche Soloperformerin. Diese endgültige Formulierung beinhaltet die Erkenntnis, dass ich meine Position vom Angesehen-Werden umkehren musste, um zu den Zuschauenden zurückzuschauen. Zurückschauen bedeutet, Gleichheit im Blick zu schaffen, das Publikum zu sehen und ihm die Möglichkeit zu geben, zu erkennen, dass auch sie angeschaut werden. Dieser Vorgang erzeugt Gegenseitigkeit, hebt Trennung und Hierarchien auf und verwandelt den Akt des Anschauens in einen Akt des Austauschs und Teilens. Die Soloperformerin sollte sich so positionieren und ebenfalls zur Zuschauerin des Rituals werden, zur Zuschauerin der Zuschauenden, um so das gesamte Konzept von der Zuschauer:innenschaft und des Blicks in eine Dimension der Gleichheit und des menschlichen Austauschs zu verschieben. In eine Dimension, die die unmittelbaren Botschaften, die gesendet und empfangen werden, begrüßt, also jene Botschaften, die den momentanen Energiefluss und das Vorankommen der Aufführung prägen.

Eine weitere grundlegende Erkenntnis ergab sich im Schlussteil der Performance, in der ich eine persönliche Begegnung mit allen Zuschauenden habe. Ich gehe durch alle Kreise, blicke jedem/jeder Zuschauer:in in die Augen und streichle jede Hand. Diese unmittelbare physische und sensorische Dimension in der Beziehung zu jedem/jeder Zuschauer:in bestätigt die emotionale Verbundenheit, hebt Hierarchien und Entfremdung auf und strahlt Menschlichkeit aus. Diese Menschlichkeit ersetzt eine Geschichte des Andersseins und der Objektivierung und macht schließlich einen Weg zur Heilung durch den Gemeinschaftsgeist und die kollektive menschliche Bindung frei.

Am Ende der Performance verschwindet die Solodarstellerin, und die Zuschauenden sammeln den Stoff ein, legen ihn an ihren Platz und verlassen den Raum in Gruppen. Hoffentlich machen sie sich das Ritual zu Eigen und identifizieren sich mit der Kraft der Performance als Ritual und der Kraft der Gemeinschaft neu. Es ist diese Macht, der es gelingt, den Körper der migrantischen Performerin zu dekolonisieren. Zuerst aber muss bzw. müssen der Körper, oder die Körper der Zuschauenden dekolonisiert werden. Ermöglicht wird dies durch ein Wiederaufleben ihrer menschlichen Bindung zueinander und damit auch zu der migrantischen Performerin, die damit keine Migrantin mehr ist, und zur Performance, die nicht mehr als Import abgestempelt werden würde.

Rite of Revival
A Multimedia Interactive Solo Dance Performance
Scripted, performed & directed by Nora Amin
With co-performers: Eva Balzer, Pasquale Rotter, Alina Amer, Julia Lemmle & André Vollrath
Live drums & kajoon: Tamer Essam
Recorded violin: Ayman Asfour (and composition)
Sound track design and composition: Nader Sami
Sound, light and video technician: Maged Monir
Video design: Ibrahim Ghareib
Presented at Studio R, Maxim Gorki Theater
22 February 2018